Las 5 principales maneras en que fallé mi primer cortometraje

Permítanme comenzar diciendo que estoy muy orgulloso de mi película. Se llama Rematch . Me llevó mucho tiempo y esfuerzo terminarla, pero está hecha y está ahí afuera. Y eso cuenta para algo. Dicho esto, no me hago ilusiones sobre lo que hice. El panorama del cortometraje es increíblemente competitivo. No sé qué tan preciso sea, pero leí que se producen hasta 12.000 cortometrajes cada año. Supongo que la fuente de esta cifra son las presentaciones en festivales, lo que significa que la cifra real probablemente sea incluso mayor. De todas formas, son muchos cortometrajes. Los que mueven los hilos de la industria cinematográfica simplemente no son tan propensos a impresionarse con un cortometraje bien hecho como lo habrían estado hace 20 años, o incluso hace 10 años. Si quieres ser propulsado a la estratosfera, tienes que hacer algo realmente especial, algo que la gente no pueda ignorar.

por Frank Romano

Entonces, ¿qué hicimos ? Bueno, como ya he dicho, no me hago ilusiones: lo están ignorando. ¡Y no pasa nada! Nuestro cortometraje sigue teniendo un propósito. Ayudó a mis actores a fortalecer sus reels, fue una experiencia y una herramienta de aprendizaje increíbles, y el resultado final es una tarjeta de presentación suficiente para conseguir apoyo para mi próximo proyecto. Al fin y al cabo, hicimos arte, y eso es válido.

Pero… mi corto podría haber sido mejor. Mucho mejor. Y, después de darle vueltas durante unas semanas a qué aspecto de mi historia sería más útil para la comunidad, eso es a lo que siempre volvía: a todas las maneras en que metí la pata. Todos somos nuestros críticos más duros, ¿verdad? Como me obsesiono con estos errores, tenía sentido compartirlos con ustedes. En definitiva, espero que estos consejos les ayuden a estar más preparados que yo. Sospecho que algunos errores se aprenden a las malas, pero al menos después de leer esto, sabrán que vienen. Como extra, al final de este artículo, también compartiré algunas de las cosas en las que creo que destacamos. Abróchense los cinturones.

1) No hice suficiente preparación.

Creo que aproximadamente el 90% del trabajo del director ocurre en la preproducción. Todo, desde la elección del proyecto adecuado hasta el storyboard y los ensayos, entra en esta categoría. Creo que el público en general tiene una idea errónea sobre los directores, incluso los propios directores que están empezando. Tengo la sensación de que la gente piensa que el trabajo del director ocurre principalmente en el set. Le dicen al equipo dónde colocar la cámara. Le dicen a los actores cómo decir sus diálogos. Les gritan a todos por un megáfono. Y si no fuera por su visión inquebrantable, toda la producción se desmoronaría. Ahora bien, cualquiera con un poco de sentido común sabe que esa descripción es absurda, simplista y, en su mayoría, errónea.

Uno pensaría que con todo el conocimiento que tenemos hoy al alcance de la mano, la gente lo comprendería mejor. Sin embargo, el “mito” del director persiste. Con cada contratación de un especialista publicitario en Marvel Studios (donde los directores, como es bien sabido, tienen poco control), o con cada noticia sobre un estudio que contrata a un director diferente para salvar una película con nuevas grabaciones, encontrarás comentarios en línea que ilustran la ingenuidad de la gente sobre lo que un cineasta puede hacer en una etapa tan avanzada del proceso.

Los cineastas de autor que te encantan destacan por las decisiones que toman antes de rodar. Se trata de las historias que deciden contar. El elenco y el equipo que reúnen. La visión que han delineado con sus colaboradores. Cuando un director es contratado por un estudio para realizar nuevas grabaciones en la película de otro, o por Marvel y recibe una previsualización que le muestra cómo serán “sus” escenas de acción, todas esas decisiones ya se han tomado por él. Como resultado, solo hay un margen limitado de cambios que realmente puede hacer.

Quizás te preguntes qué tienen que ver las repeticiones de rodajes de alto perfil y las películas de superhéroes con el cine independiente. Lo que quiero decir es que el director no es un mago que puede agitar una varita mágica en el set para manifestar su visión. Tienes que prepararte para el éxito. Piensa en la preproducción como si estuvieras construyendo un crucero que eventualmente capitanearás. Las decisiones que tomes en el astillero son las más importantes. Una vez que ese enorme barco zarpe, puedes hacer pequeños ajustes sobre la marcha, pero buena suerte si haces algo drástico. Requiere demasiada energía detenerse. Y no gira para nada. Tampoco se puede reconstruir en medio del océano.

Sabía esto de antemano, y aun así no me lo tomé lo suficientemente en serio. Ignoré pequeños problemas con el guion. No me esforcé lo suficiente en los ensayos. No preparé suficientes notas. Al final, entré en la producción sin estar 100% seguro de todos los elementos. Rodamos Revancha en pleno auge de la COVID-19 a principios de 2021. Fui demasiado complaciente, tenía demasiadas ganas de hacer algo. Estoy seguro de que estas circunstancias también influyeron en la historia que elegí contar y en el personal que elegí para el reparto. Además, sentía presión personal. Iba a ser padre y quería rodar algo antes de que naciera mi primer hijo. Dejé que tomaran demasiadas decisiones por mí. Debería haberlo pensado mejor.

Quizás sea el ego del director, no lo sé. Quieres creer que tienes todo lo necesario para que la producción sea un éxito. Eso es una falacia.

Si algo no funciona en la página, entonces no funciona .

Si algo no funciona en el ensayo, entonces no funciona.

No caigas en la trampa de pensar que lo resolverás el día de la escritura. No lo harás el día de la escritura, cuando la presión esté alta y el contador esté en marcha. Descúbrelo ahora, antes de que sea demasiado tarde. Quizás eso signifique reescribir. Quizás signifique reescribir. Sea lo que sea, ahora es el momento de hacerlo.

2) No sabía cómo dirigir actores.

Este es particularmente vergonzoso. En Rematch me di cuenta de que era pésimo dirigiendo actores. Fue decepcionante descubrirlo, ya que, ya sabes… ese es el trabajo. En mi defensa, hacía mucho que no dirigía algo con actores de verdad haciendo actuaciones reales. Durante los últimos diez años en mi productora, me he dedicado exclusivamente a vídeos corporativos. Generalmente, cuando se montan escenas en la oficina, se trabaja con actores sin experiencia. Conseguir incluso las actuaciones más básicas de actores sin experiencia puede ser un reto. Hice mucho titiritero y se me dio muy bien.

Desafortunadamente, el manejo de marionetas es una herramienta completamente inútil (e insultante) para manejar con un actor. Como resultado, Nick (mi codirector) y yo, sin darnos cuenta, le gritamos un montón de instrucciones inútiles. Eran instrucciones orientadas a resultados, como “¡más despacio!” o “¡dame más energía!”. Creo que incluso hubo algunas veces que recurrí a la lectura de líneas (¡uf, lo sé!). Este tipo de instrucciones puede describir lo que quieres ver, pero no le da al actor ninguna idea de cómo llegar ahí. En cambio, quieres proporcionar a tus actores una dirección orientada a la acción, o una dirección “interpretable”. Tus actores intentan encontrar la verdad de la escena, y tu trabajo es ayudarlos a navegar ese viaje. He oído que los actores muy experimentados pueden traducir una mala dirección. Pero cuando estás empezando, es poco probable que tengas el lujo de que actores experimentados te ayuden.

Supe el primer día que algo andaba mal. Estábamos cubriendo al Actor A. Estaba en una escena frente al Actor B. La idea era que los personajes llegaran a un punto muerto en su conversación. Ninguno está dispuesto a ceder. El instinto del Actor A fue terminar la conversación yéndose. Esto parecía lo más natural para su personaje. Pero queríamos una especie de punto muerto, un ritmo de tensión creciente. Así que le repetíamos una y otra vez: “Quédate ahí parado, no te muevas después de decir tu última línea”. Esto, por supuesto, no le decía nada de la intención de su personaje. Después de varias tomas diciéndole lo mismo una y otra vez, el Actor B finalmente intervino: “Creo que quieren decir ‘mantente firme'”. Esta dirección, por supuesto, funcionó. Le dio al Actor A la motivación adecuada para interpretar la escena con intención. Como director, un momento así es una patada en el estómago. Todavía lo siento. Algunas cosas se aprenden a las malas.

Si te molesta nuestra ignorancia, te lo aseguro. Deberíamos haberlo sabido. Se han escrito muchos libros sobre el tema. ” Directing Actors” de Judith Weston y ” On Directing” de John Badham son recursos increíbles y te animo a leerlos, como yo lo he hecho. Pero no cometas mi error y léelos antes de rodar tu película.

3) Debería haber priorizado el tiempo en el set por encima de cualquier otro recurso.

He llegado a comprender que hacer cine (como muchas otras actividades) se trata en realidad de gestionar recursos. A menudo encuentro útil este tipo de pensamiento reductivo. Dispones de un número finito de recursos, y tu objetivo es crear una obra que sea muchísimo más valiosa que la suma de sus partes. Podrías pensar: «Bueno, claro». Pero si bien esto puede ser obvio a nivel macro, creo que a muchos cineastas les resulta difícil tenerlo presente en cada decisión que toman, día a día, a nivel micro. Como resultado, una mala gestión de los recursos puede convertirse rápidamente en la causa de tu ruina.

Veo que los cineastas a menudo se ven atrapados en esquinas debido a costosos complejos, como insistir en usar equipo caro o bloquear una ubicación específica. El problema es que cada recurso viene a expensas de algo más. En el caso de mi argumento, ese algo más es el tiempo en el set. Cada actor, cada vestuario, cada miembro del equipo, cada pieza de equipo: todo suma. ¿Cuántas cosas puedes cortar, simplificar o consolidar para obtener unos días adicionales en el set? ¿Qué pasa si renunciar a un dron significa obtener dos horas más en una escena crucial? ¿Quizás cortar un personaje que no contribuye mucho a una escena te da medio día extra en otra? Siempre ten estas preguntas en mente.

No creo haber dedicado suficiente tiempo a pensar en esto. Debería haber duplicado o incluso triplicado el tiempo asignado a cada escena y luego reorganizado los recursos según ese objetivo. Como sugerí antes, ya había cometido el error crucial de posponer las cosas, diciendo “lo solucionaremos el día”. Errores como ese aparte, incluso con una planificación perfecta, no se puede justificar todo lo que se desconoce. Cada problema que surge se multiplica por diez en el set. La presión es alta. El contador está en marcha. Quieres “hacer el día”. Y todos esperan tu validación: ¿Lo conseguimos? ¿Podemos seguir adelante? Hubo momentos en que Nick y yo sabíamos en el fondo que no lo entendíamos, pero teníamos que seguir adelante. El tiempo es limitado. Y cuando eso sucede, “lo solucionaremos el día” se convierte en “lo solucionaremos en posproducción”. Cuando estás postergando el problema desde la preproducción hasta la posproducción, algo anda mal.

Por eso creo que priorizar el tiempo en el set es crucial. Si no funciona, quieres la flexibilidad para resolverlo, para darle forma a la escena, para ir puliéndola poco a poco hasta conseguirlo. Si no lo hacemos, ¿qué hacemos exactamente como cineastas? No creo que al público le importen las cosas en las que nos obsesionamos. Les importa un bledo la cámara. Ni siquiera creo que les importe la iluminación tanto como creemos. Cineastas desde Terrence Malick hasta Steven Soderbergh han rodado películas preciosas solo con luz natural. Al final, ¿qué es lo más importante? ¿Funciona la escena? ¿Encontraste la verdad del momento? Si la escena parece mecánica, ¿qué importa si la actriz principal tiene una hermosa luz en el pelo y un brillo en los ojos? Todo es en vano.

Se podría argumentar que este consejo está dirigido al cineasta aficionado, menos experimentado. Se podría decir que un gran cineasta con una visión clara, en colaboración con un equipo bien organizado, podrá trabajar con eficiencia y precisión en su ejecución. No me cabe duda de que esto es cierto en la mayoría de las circunstancias. Y, sin duda, la esencia de mi argumento es que pasar más tiempo en el set habría ayudado a mitigar algunas de las deficiencias que describí en las dos secciones anteriores. Sin embargo, incluso algunos de los cineastas más talentosos han adoptado este enfoque. Tomemos como ejemplo a David Fincher, famoso por realizar más de 20 a 40 tomas para encontrar los ritmos perfectos para la escena:

Bueno, 3000 dólares es una penalización por comida. Así que, si no tienes [una Technocrane], puedes esperar otros 15 o 20 minutos justo antes de comer para que esa persona pueda hacer algo mejor. Así que lo veo como que siempre intercambio tomas de helicóptero, steadicams y cosas así para tener tiempo de dejar que alguien falle hacia arriba. — David Fincher

4) Debería haber recordado en el set que cada etapa de la producción es una reescritura.

Muy a menudo en el pasado he tenido anteojeras durante la producción, y luego otro par de anteojeras en la postproducción. He cometido el error de rodar el guion , y luego editarlo, y luego sentarme frente a un corte preliminar rascándome la cabeza. ¿Por qué no funciona? ¿Por qué se siente forzado e incómodo? En esos primeros días, sobre todo era porque simplemente era pésimo. Pero tampoco entendía el proceso. Pasar de las palabras en la página a capturar la actuación en vivo es un acto de adaptación. Luego, pasar de un conjunto ecléctico de metraje crudo a una narrativa cohesiva y editada es otro acto de adaptación. El proceso del guion al metraje al corte final no es una simple traducción directa 1:1. Debes tener los ojos y los oídos abiertos a los cambios orgánicos que están sucediendo frente a ti y adaptarte a ellos.

Nick y yo lo sabíamos al comenzar la producción, pero aún nos arrepentíamos en la posproducción. Sí, en muchos casos no nos dedicamos suficiente tiempo [ver: sección anterior], pero, siendo honestos, muchas veces confiamos demasiado en el guion. Caímos en la trampa de pensar que si funcionaba en la página, probablemente funcionaría en la edición, a pesar de lo que veíamos claramente.

No es que yo esté criticando el guion. ¡Todo lo contrario! Teníamos un guion excelente escrito por un escritor fantástico. Pero no se pueden obviar las numerosas variables que transforman el material en la traducción, de la página a la interpretación (sobre todo cuando se es nuevo en el tema, y ​​la brecha en la traducción es mayor). El reparto, la puesta en escena, la puesta en escena, el ritmo, la dirección (o la falta de ella): todo tiene un impacto. En algún momento, simplemente hay que dejar el guion a un lado y estar presente. Claro, el material transmitido en las páginas funciona, por eso estamos haciendo esta película. Pero eso no importa ahora mismo. ¡Lo que importa ahora mismo es lo que se comunica frente a ti! Si no funciona, averigua por qué y ajústalo. El guion es una guía, no un manual.

El mismo proceso se aplica en la sala de edición. De hecho, desde una perspectiva de edición, esta sección trata más sobre cómo salvamos la película. Nuestra editora, Cassie, armó un borrador, lo tradujo 1:1 del guion a la pantalla. Y todos nos dimos cuenta de que no funcionaba. Forzar cada escena para que coincidiera con el guion era como intentar encajar una clavija cuadrada en un agujero redondo. Después de eso, nunca volvimos a mirar el guion. ¿Qué sentido tendría? Claramente, no habíamos hecho esa película. Habíamos hecho otra cosa, solo que aún no sabíamos qué era. Así que el proceso se convirtió en averiguar qué película habíamos hecho realmente. Con cada escena, hicimos una auditoría exhaustiva de todo lo que teníamos, incluso las tomas falsas, todo lo que la cámara captó. Tuvimos que ver el metraje con los ojos y la mente bien abiertos. Olvídate del guion. ¿Qué te dice el metraje? El metraje te revelará cómo montarlo. Por suerte, Nick y yo tuvimos suficiente previsión en el set para grabar cobertura adicional cuando las cosas no cuadraban, así que con algunas escenas tuvimos mayor flexibilidad. Poco a poco, la película empezó a revelarse, como un alivio.

Como resultado, la película terminada parece mucho más competente de lo que debería ser, y eso se debe a que no tuvimos miedo de reescribir la película en la edición.

5) Debería haber decidido lo que quería de mi película antes de hacerla.

Me embarqué en este proyecto con un optimismo y unas ganas insensatas. Solo quería hacer algo. No es que no tuviera objetivos en mente. Obviamente, sabía que el cortometraje sería un logro, algo que demostrara mis serias ambiciones y mi considerable habilidad. Esa era la esperanza, al menos. Pero realmente no pensé demasiado en la estrategia de distribución. No pensé en cómo conseguir que lo vieran ni siquiera para quién era. Mis principales preocupaciones al elegir este proyecto eran utilitarias. ¿Qué puedo rodar con un presupuesto bajísimo, usando mi casa como única localización? ¿Qué actores de mi red están tan ansiosos como yo por hacer algo? ¿Qué es algo que se concretará rápidamente (o eso creía) y que no requiera ningún trabajo de efectos visuales?

Estas son consideraciones que probablemente tengan muchos otros cineastas aficionados. La mayoría de la gente no puede permitirse hacer mucho más, y es comprensible. Sin embargo, debería haber tenido otras preguntas en mente: ¿Cómo voy a distribuir esta película cuando esté terminada? ¿Es para YouTube o tengo otra estrategia? ¿La voy a enviar a festivales de cine? ¿Qué festivales de cine tienen sentido? ¿Qué películas buscan? En definitiva, ¿qué es lo que realmente quiero conseguir con esto?

Como mencioné al principio de este artículo, se producen unos 12.000 cortometrajes al año. Hay que ser inteligente para destacar. Presenté mi trabajo a casi 30 festivales de cine, y Rematch fue rechazado casi en su totalidad, aunque recibimos algunos elogios . Nos seleccionaron para proyectarlo en un festival, al que asistí. Cuando estuve allí, uno de los organizadores dejó caer que estaban ávidos de propuestas y aceptaron prácticamente todo lo que llegó. ¡Uf!

A pesar de este contratiempo, no creo que estos rechazos reflejen necesariamente la calidad de la película. Lo que sí revelan es lo poco que encajaba Rematch con los objetivos de programación de los festivales. Me di cuenta de esto después de que empezaran a llover los rechazos y finalmente investigué por mi cuenta. Por ejemplo, nuestra película tiene una duración de 20 minutos. Resulta que es un tiempo bastante largo para un cortometraje. Cuanto más largo es el corto, más presión tiene para ser excelente. Si un programador puede encajar dos buenos cortos de diez minutos en nuestro espacio de veinte minutos, probablemente lo elija. Cuanto más leía, más evidente era lo poco adecuados que éramos para la mayoría de los festivales a los que nos presentábamos.

Hacerme las preguntas correctas podría haber cambiado las cosas. Quizás hubiera renunciado a los festivales y hubiera intentado un enfoque diferente para conseguir visibilidad. O quizás hubiera elegido un proyecto completamente distinto, no lo sé. Podrías fácilmente cambiar el título de esta sección a “Conoce a tu público” o algo similar. Creo que es la misma idea. Si eso te molesta, si tu objetivo es crear arte en su expresión más pura, y encuentras esta forma de pensar opresiva, es perfectamente válido. Ve a hacer tu película. Te apoyo. Pero no te quejes si nadie la ve.

Entonces… ¿Qué hicimos bien?

Dije al principio del artículo que estoy orgulloso de la película, y lo decía en serio. No quiero insistir en los errores. Creo que la película quedó perfecta en la edición. Nuestro reparto y equipo fueron excelentes. Tenemos una banda sonora original fantástica y una mezcla de sonido magnífica. Hay mucho que admirar.

Sin embargo, si hay algo que hicimos bien y que destaca por encima de todo, es que terminamos la película. Y no la improvisamos. La llevamos hasta el final. Para cuando salió de nuestras manos, sentimos que habíamos explorado todas las posibilidades y pulido cada detalle. Hay un punto en la postproducción en el que uno acepta lo que hizo y la realidad de sus errores queda al descubierto. Puede que no sepa exactamente lo que tiene, pero sí sabe lo que le falta … Lo que le falta es la visión perfecta que se propuso ejecutar.

En esos momentos es fácil aceptar la derrota, querer improvisar y acabar de una vez. O tal vez simplemente dar marcha atrás. Reducir las pérdidas y pasar a lo siguiente. Ya aprendiste todo lo que necesitabas, ¿verdad? Sabes dónde te equivocaste y la próxima vez lo harás mejor. Pero no creo que sea la decisión correcta. Tienes que perseverar. Te debes a ti mismo y a todos los involucrados darlo todo.

Así que eso fue lo que hicimos. Lo logramos con todo el esfuerzo posible. Y estoy contento, porque, al final, la película terminada nos sorprendió.

Si vas a fracasar, fracasa hacia arriba.

El autor

Frank Romano

Fuente: https://www.stage32.com/blog/top-5-ways-i-fumbled-my-first-short-film-4128